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Los recuerdos de tu vida ¡están acá! y con cada canción retro que escuches vas a decir... ¿Te acordas de esto? 

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Data Music 

Te contamos el origen de algunos géneros musicales y como evolucionaron a lo largo del tiempo.

La música disco es un estilo infravalorado pero en el que hay mucho que descubrir y disfrutar. En 1974, era un fenómeno underground, pero sólo 3 años después, todo el mundo la bailaba con John Travolta. Aunque la música disco fue uno de los fenómenos musicales populares más prominentes de la década de los 70, nunca recibió el crédito que merecía. Aún hoy, sigue conservando un halo cutre y kitsch, y pocas personas creen que merezca la pena bucear en este estilo musical para encontrar joyas “avant-garde”.

El disco es un estilo "up-tempo" de la música dance de los años 70, especialmente el soul y el funk, y en sus comienzos se hizo popular entre las audiencias afro-americanas y gays de EEUU. La palabra "disco" viene del francés "discothèque", que a su vez es una mezcla entre "disc" y "bibliotèque".

Las discotecas
Las discotecas nacieron en el París ocupado durante la II Guerra Mundial. Los nazis prohibieron los clubs de jazz y de baile, de modo que la gente iba a locales ilegales a escuchar y bailar música grabada. Uno de esos clubs ilegales, situado en la Rue Hachette, se llamaba “La discothèque”. Más tarde Paul Pacine abrió el club “Whiskey a Go-Go”, donde la gente bailaba discos pinchados por disc-jockeys. Estos clubs fueron evolucionando y extendiéndose por toda Europa en los años siguientes. Pacine abrió en 1960 el club Chez Régine, donde acudía toda la “gente guapa” de la ciudad y la “jet-set” de otros lugares del mundo. Entre ellos también había norteamericanos, quienes, inspirados en el club parisino, abrieron en Nueva York “Le Club”. Este club no duró mucho, porque enseguida hubo otro que se puso más de moda: el “Peppermint Lounge”.

El “primer tema disco”
En 1974 el productor Meco Monardo contrató a la entonces desconocida Gloria Gaynor para grabar un par de temas, “Honey Bee!” y “Never can say goodbye”. Hasta aquí nada de particular: no era más que una de las muchas sesiones que se sucedieron en los Media Sound Studios de Nueva York. Pero cuando llegó el momento de hacer la mezcla, Monardo tomó una decisión revolucionaria: en lugar de dejar la sección rítmica como acompañamiento –la práctica entonces más habitual-, subió los canales del bajo y la batería y los colocó en primer plano, para así dejar atrás la orquesta y la voz de la cantante. El resultado fue sorprendente: había nacido el primer hit de la era disco.”

DJs y productoras
Larry Levan fue el primer “DJ-estrella”. Se movía entre los géneros disco, house y garage. Durante 10 años reinó en la corte del club “Paradise Garage”, uno de los más importantes de la historia del disco. Muchos DJs de éxito confiesan que la exposición a la música pinchada por Larry Levan en el Paradise Garage cambió sus vidas y les inspiró en sus respectivas carreras.

Levan también está considerado el primer DJ en introducir la estética del dub en la pista de baile y el primero en mezclar un amplio y ecléctico abanico musical: “Levan tenía un control absoluto sobre la pista de baile y un estilo único en las transiciones. Combinando diversos estilos y tempos conducía al público a un frenesí total a través de sus eternas mezclas, y usando varias copias del mismo disco podía crear verdaderas remezclas en directo, sobre las que iba alternando efectos de sonido. Como decía en Internet un habitual del club, “la mejor noche de mi vida fue en junio de 1984, cuando Larry pinchó “Music is the answer”, de Colonel Abrams durante toda una hora””.

Disco 2.0 (1976-1982)
Los tiempos cambiaron, las drogas cambiaron (la droga “disco” por excelencia era el “Poppers”), y nuevos clubs como el “Paradise Garage” abrieron sus puertas; había nacido el maxi de 12”. Por primera vez en la historia, se componían y producían las canciones con la palabra “discoteca” en mente. Los dorados años del disco terminaron con sus audiencias gays diezmadas por el SIDA. Los sellos de mayor calidad de ésos años son Salsoul, Prelude y West End.

“Disco-sucks”
También hubo una reacción de intolerancia machista y racista en Gran Bretaña y EEUU llamada “Disco sucks” (el disco apesta). Era una campaña en contra de la liberación gay y el orgullo negro. Los pro-hombres del rock reclamaban su blanca hegemonía, que, por primera vez, veían en peligro.

En la publicación inglesa “The Young Nationalists”, se advertía a sus lectores la necesidad de luchar contra este estilo de música y su “pseudo-filosofía”, a no ser que se quisiera que las calles de Gran Bretaña se llenaran de “negros y maricones”.

En 1979 (un año antes del cierre de Studio 54), se celebró en Chicago la “Disco demolition night”, en el que cientos de fans del rock quemaron vinilos al grito de “disco sucks!”

Los gays, las divas y la música disco
No se puede decir que la música disco fuera un fenómeno estrictamente gay (y por tanto vedado a las mujeres, que tenían prohibida la entrada en muchos clubs), pero hay muchos gays famosos en esta escena musical, como Silvester, Giorgio Moroder y Patrick Cowley.

La música disco supone también el surgimiento de las “disco divas”, grandes cantantes de soul, funk o R&B, que trabajaban codo a codo con las productoras grabando impresionantes partes vocales. Algunas de las más grandes son Loleatta Holloway, Taana Gardner, Gwen Guthrie, Aretha Franklin, o Gloria Gaynor.

“Post-disco” y “proto-house”
Con la llegada de los 80, más que morir, la música disco mutó en otros géneros como el “dance-pop”, el hip-hop, el house y el tecno. Se evolucionó hacia sonidos más electrónicos, dando origen a la actual música “house”. Es en estos momentos de transición o “crossover” donde encontramos algunas de las piezas más interesantes.

Sin embargo, el house en sus inicios no bebió sólo de la música norteamericana. En los clubs de Nueva York y Chicago eran muy populares artistas electrónicos británicos como Depeche Mode o Soft Cell y otros de corte más disco como Giorgio Moroder o Klein & MFO; también alemanes como Kraftwerk, belgas como Telex, y miles de producciones de baile italianas (italo disco).

El Paradise Garage, en NY, y el Warehouse en Chicago (presidido por Frankie Knuckles), rompieron con las barreras de la raza y la opción sexual (hasta entonces, negros y blancos, gay-les y heteros se divertían segregados), y pusieron el acento en la música.

La música que se pinchaba en estos clubs era tan variada como su clientela: música negra basada en el r’n’b, y música disco aderezada con cosas tan diversas como el “Magnificent Seven” de The Clash.

Otra mutación de la música disco fue el “no wave”, mezcla de disco y punk. En el verano del mismo año en que se abrieron el Warehouse y el Paradise Garage, 1977, las revistas norteamericanas hablaban de un nuevo fenómeno musical llamado “punk”. A caballo entre el ruido punk-rock y el disco, la escena “no wave” vivió una corta etapa en NY, en estrecho contacto con la escena artística de vanguardia. En esta escena destacan las pioneras ESG, y también The Contortions, Konk, Yoko Ono, Lydia Lunch, Cristina, etc. Básicamente era una actitud musical que rechazaba el formato tradicional del rock and roll (cuerdas, coros), e incorporaba también otras influencias como el Free Jazz y la música negra.


Origen  El Rock’n’roll nace de la fusión que se produce entre el sonido country del sur de Estados Unidos y el rhythm and blues con origen en la tradición negra. En sus inicios no le daban más de 5 o 6 años de vida, pero lo cierto es que ya son más de 50 años de historia los que ha visto este género musical. A lo largo de ellos el Rock ha sido dado por muerto y ha resurgido de sus cenizas en varias ocasiones y las palabras pronunciadas por el Rey del Rock parecen haberse convertido en profecía: ‘’No creo que (el rock and roll) muera alguna vez porque van a tener que hacer algo extraordinariamente bueno para sustituirlo’’.

Fue un 5 de julio de 1954 cuando un chófer de camioneta de 19 años de edad cambiaría el curso de la música y de la historia al entrar a un pequeño estudio de grabación en Memphis para interpretar tres canciones. Entre esos tres temas que grabó un tal Elvis Aaron Presley se encontraba uno de nombre That’s All Right, el cual marcaría el nacimiento, no sólo de un nuevo género musical, sino también de una forma de expresión artística, social y cultural, además de un estilo de vida: el rock and roll.

A pesar de que oficialmente se marca el nacimiento del rock con la grabación That’s All Right, de Elvis Presley, tanto la música como el nombre surgieron poco tiempo antes. Muchos historiadores consideran que el amanecer del género se dio con la canción Rock around the clock, de Bill Haley and his comets, también de 1954 pero tres meses anterior a que el Rey hiciese historia.

El término “rock and roll”
Expresión del slang negro para referirse al acto sexual, lo empezó a utilizar el locutor de radio Alan Freed en 1952 para definir algunas canciones que tocaba en su programa, como Rock the joint, precisamente de Bill Haley, y también en los festivales que empezaba a realizar donde presentaba grupos que interpretaban R&B.

Elvis Presley
Considerar a Elvis como el creador, principal promotor y Rey del rock, tiene mucho que ver con su personalidad, con su voz, con su carisma y con lo que desde un inicio representó para la cultura popular de entonces, rompiendo esquemas y transgrediendo tradiciones morales y de conducta.
Cantantes destacados
Nacieron además otras figuras importantes como:
Chuck Berry, Little Richard, Bo Didley, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Fats Domino, Roy Orbison, Edie Cochran y The Everly Brothers, entre muchos otros, cuya música penetró en la sociedad de la época, invitándoles a transgredir las normas del sistema establecido.
El auge de esta primera generación del rock and roll se dio hacia 1956-57, y sería el mismo Elvis el que marcaría su decadencia cuando, en 1958, se enroló en el ejército de los Estados Unidos, donde permanecería hasta 1960. A su regreso, su popularidad seguía por los cielos, su música dejó de tener esa carga de rebeldía y frescura con la que se identificaron años antes los jóvenes, y así fue como el Rock se preparó para sufrir su primer gran cambio.

Metamorfosis
Con la decadencia de los primeros ídolos del Rock a finales de los 50, tomaron el relevo los artistas de color, que a principios de los 60 hicieron bailar a todo el planeta con su sonido Motown, una celebración de R&B, soul y funk. De esta oleada de artistas destacan algunos como The Supremes, The Marvelletes, The Shirelles, Marvin Gaye, Stevie Wonder y el padrino del funk, James Brown.

Tan solo transcurrieron cuatro años desde el comienzo de la década cuando surgió un nuevo movimiento con repercusiones tan grandes como las del nacimiento del género. Fue la llamada ‘’invasión inglesa’’, con ella la presencia británica comenzó a tomar fuerza y se demostró a partir de ahí que, a lo largo de muchos años, irían un paso por delante de lo que se crease en Estados Unidos. El mundo entero vibró a ritmo de The Kinks, The Animals, The Who, The Zombies, The Shadows, The Hollies y, por supuesto, con The Beatles y The Rolling Stones, las dos bandas más importantes e influyentes en la historia del rock.

La respuesta de Estados Unidos llegó unos años después cuando el rock ácido y la psicodelia llevaron un nuevo movimiento al rock, uno de los más trascendentes y de gran repercusión social y cultural. Después de que Bob Dylan dejara algo apartado el folk y comenzase a electrificar su música, una gran generación de bandas estadounidenses comenzaron a formar un nuevo movimiento que años después desembocaría en la denominada ‘’nación Woodstock’’, festival de tres días de duración que convocó a cerca de medio millón de personas. De esta generación destacan Jimi Hendrix (considerado el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos), Janis Joplin, The Doors, The Jefferson Airplane, The Greateful Dead, The Byrds, Country Joe & The Fish, y una serie de grupos provenientes principalmente de la Costa Oeste de los Estados Unidos.

El Festival de Woodstock
Realizado en Woodstock, Nueva York, en 1969, la generación del “peace and love” alcanzó su punto álgido, pero a la vez marcó el inicio del fin, ya que meses más tarde en el concierto gratuito que The Rolling Stones ofrecieron en Altamount, California, un joven de raza negra fue cruelmente asesinado por la pandilla de los Hell’s Angels, paradójicamente contratados por los Stones para encargarse de la seguridad. El sueño había terminado.

‘’El sueño ha terminado’’
Con esta frase, incluida en la canción God de John Lennon, da comienzo la década de los 70 en el rock con algunos sucesos negativos. En primer lugar mueren dos símbolos de la generación de los 60 en 1970, Jimi Hendrix y Janis Joplin, por sobredosis. Paul McCartney anuncia oficialmente la separación de The Beatles, el grupo que, como una vez dijo John Lennon, era casi tan popular como Jesucristo. Un año más tarde, en 1971, Jim Morrison, cantante de The Doors y uno de los principales iconos visuales y sex symbols de la historia del rock, muere también de sobredosis.
Así, con este nefasto comienzo, en la primera mitad de la década el rock experimenta una masificación y comienza a ser importante el elemento artístico e interpretativo en el escenario, la parafernalia visual en los conciertos, etc. Led Zeppelin reinó a lo largo de la década, tras ellos se sitúan The Rolling Stones y Pink Floyd, con espectáculos realmente impresionantes.

Heavy metal, hard y glam rock
Surgen corrientes como el heavy metal, el hard rock y el glam rock, que se apoderan del gusto de las masas durante la primera mitad de la década. Son entonces grupos como AC/DC, Deep Purple, Black Sabbath, Queen, Kiss, Bad Company, quienes viven sus momentos de gloria. Esta masificación, glamour, parafernalia visual y, en el caso del rock progresivo, virtuosismo, alejan al rock de sus raíces callejeras y rebeldes según muchos críticos, aunque esta corriente surgida del rock buscaba la provocación de diferente manera a como lo hacía el rock original.

Aún así, muchos jóvenes no se sentían identificados con estos estilos y es así como surge una nueva corriente en lo más profundo de los suburbios neoyorquinos, el punk.
El punk es un derivado del rock que retoma la rebeldía de las canciones protestas originales aunque está cargado con una dosis de anarquismo, hedonismo y politización que lo diferencian de este primero. Cabe destacar mítico grupo del momento que engendró dicho género, The Ramones, pero es el grupo inglés The Sex Pistols quién lo lleva al extremo. Otras bandas fueron The Clash, The Damn, Generation X, The Misfits y Black Flag. Así, mientras el rock mutaba constantemente de forma dando lugar a otros tantos géneros, la música disco reinaba en lo más alto de las listas de popularidad y otro gran movimiento del género se hacía presente a finales de los 70.

La década de los 80
comienza con muertes y separaciones, igual que su antecesora. John Lennon, líder y fundador de The Beatles, activista político y social es asesinado en 1980. La canción Imagine sonó en los oídos conmovidos de todo el globo terráqueo y el rock y la cultura popular occidental estuvieron de luto. John Bonham, batería de Led Zeppelin, muere por una congestión alcohólica en1980; meses más tarde, Jimmy Page anuncia la separación del grupo. Bob Marley, máxima figura de la música reggae, muere el 11 de mayo de 1981 víctima del cáncer. The Eagles, uno de los grandes grupos de country-rock de los años 70 anuncian su separación en mayo de 1982, dicen que sólo se reunirán “hasta que el infierno se congele” (cosa que “sucedería” en la primavera de 1994, cuando se reunieron nuevamente).

Nuevos estilos
El Rock de los 80's se caracterizó por la amplia diversidad de estilos, propuestas, formas y estética. Nacieron varios subgéneros como el new wave, post-punk, techno, dark, electrónico, rap, breakdance, dark metal, new romantic… Dentro de la primera mitad de la década destacaría un trío británico nacido del punk pero que había evolucionado y transformado su sonido: The Police, que con su mezcla de rock, reggae y jazz se convirtió en la mejor banda del mundo, hasta que se separaron en 1985, justo cuando experimentaban su punto más alto, artística y comercialmente hablando. Cuando estos desaparecen toman su lugar los irlandeses U2 que, a finales de los 80, alcanzaron cotas de popularidad tan altas como The Beatles, The Rolling Stones o Led Zeppelín, entre otros.

Gun, Cinderella, Warrant, Talking Heads, Simple Minds, The Pretenders, XTC, Men an Work, Madness, The Cars, The Cure, The Smiths, Bauhaus, Depeche Mode, Tears For Fears, OMD, Pet Shop Boys, Ultravox, Duran Duran, Barón Rojo, Rata Blanca, Iron Maiden, Whitesnake o Metallica son tan sólo algunos de los muchos protagonistas de la década.

Mas provocativos
En lugar de utilizar canciones con letras que denunciasen injusticias sociales, aunque también podemos encontrar letras así en estos estilos, preferían la provocación física, crearon una nueva estética en todos los sentidos, desde el atuendo hasta el lenguaje. Muchos de estos artistas, como el famoso grupo Twisted Sister, utilizaban vestimentas afeminadas y pantalones elásticos expresándose así por otros medios que no eran los meramente musicales, se maquillaban con colores chillones y pusieron de moda las permanentes y el pelo cardado. Diferenciarse de otros estilos estéticamente era una forma de rebelarse y marcar distancias.

Unos años antes de que los 80 terminasen un grupo de Los Ángeles, Guns N’Roses, le dio un nuevo soplo de vitalidad al rock. Con su hard rock, su apariencia entre glam y desaliñada, la personalidad de su cantante Axl Rose y su disco debut, Apettite for destruction, conquistaron el mundo entero.

Así finaliza la década de los 80, que ya comenzaba en sus últimos años a experimentar con la música electrónica que terminaría por desarrollarse a lo largo de la década de los 90.


Nacimiento

El término “pop”, derivado del inglés “popular music”, surgió ya en 1926 en Estados Unidos como concepto opuesto a los géneros musicales de culto, para describir una canción con mucha popularidad y gancho para un gran público, la “pop song”. Poco a poco, el pop se convirtió en la denominación global para estilos clásicos como el country, el blues, el folk e incluso el jazz, por entonces considerados populares entre gente con poca cultura musical. Puede que esta definición sirva aun hoy en día de baza a los enemigos del pop, pero, a lo largo de las décadas, los grandes representantes de la música popular han demostrado que el “pop” no es una etiqueta descalificativa sino calificativa. A partir de los 1950, en EE.UU. se llegó a usar de forma sinónima de “rock and roll”, mientras que al otro lado del charco, en el Reino Unido, la música pop iba absorbiendo la música beat. Curiosamente, desde finales de los 1960, la música pop se convirtió cada vez más en el antagonista de la música rock y, como tal, se ha ido extendiendo y globalizando a un ritmo frenético, sobre todo entre el público más joven.

A ello ha contribuido la organización de conciertos y festivales, que acercan los artistas a un gran número de seguidores, en su mayoría jóvenes. Como precursor de los festivales grandes de pop se considera el Festival Internacional de Música Pop de Monterey (California), celebrado del 16 al 18 de junio de 1967, seguido por el mítico festival de Woodstock (Nueva York), del 15 al 18 de agosto de 1969.

Características
Generalmente, la música pop se caracteriza por ritmos y melodías ligeros, composiciones sencillas con una estructura repetitiva y estribillos simples y pegadizos. El parecido más que razonable entre muchas canciones de pop queda patente en proyectos como los mash-ups de DJ Earworm, que es capaz de juntar los grandes éxitos de cada año como si se tratara de un solo tema. La duración media de una canción de pop es de unos 3-4 minutos. Las letras, a menudo, versan sobre temas amorosos, relaciones personales, ideas románticas y sobre cómo pasarse lo bien. Con estas premisas, tiene un grupo objetivo bien definido: toda la humanidad.

Algunos subgéneros
Power pop, indie pop, noise pop, dance pop, pop punk, electropop, synthpop, pop rock, teen pop, pop latino, pop barroco, europop, bubblegum pop, country pop, dream pop, pop psicodélico, J-Pop, K-Pop, pop metal y muchos más. Probablemente, mientras escribo esto, habrán nacido cinco subgéneros más…

Fenómeno Social
El pop, a menudo, se asocia con conceptos como “mainstream”, “música comercial”, “fenómeno fan”, “boy/girl groups”, “merchandising” y “consumo masivo”. Desde hace décadas, este maridaje es una lucrativa receta de éxito, como demuestran los grupos y artistas que, sin tocar una sola nota, eran y son capaces de volver locas a millones de seguidores.

La música pop cuenta sobre todo con un público juvenil, dispuesto a hacer, comprar y escuchar lo que sea de sus ídolos. Las estrellas de pop no se conforman con hacer música sino que, gracias a los vídeos musicales, los conciertos y apariencias de todo tipo en TV, se convierten en los abanderados de la llamada “cultura pop” y un ejemplo a seguir en cuestiones tan dispares como su forma de vestir, su comportamiento, sus relaciones amorosas, su consumo de drogas, etc. Gracias a este carácter ejemplar –para bien y para mal–, los popstars son un gancho recurrente para la publicidad, que los aprovecha para aumentar el consumo de cualquier producto entre los fans del artista en cuestión, público generalmente jóvenes y/o influenciables.

Algunos protagonistas de la corriente pop:

1960 : Elvis Presley, The Beatles, The Monkees, The Beach Boys, The Rolling Stones...

1970 : The Jackson 5, ABBA , Bee Gees , David Bowie , Elton John...

1980 : U2 , Michael Jackson, Madonna, New Kids on the Block ...

1990 : Spice Girls, Whitney Houston, Take That, Mariah Carey... 

2000: Robbie Williams, Britney Spears, Cristina Agulera...

2010: Katy Perry, Beyoncé, Lady Gaga, Rihanna, Justin Bieber, Miley Cyrus, One Direction...

El dance pop es un estilo de música pop orientada al dance que se originó a principios de los años 1980. Desarrollándose a partir del post-disco, new wave, synth pop1​ y house, es una música de ritmo animado idónea para discotecas con la intención de ser bailables, aunque es también apta para radiofórmulas.
Se caracteriza generalmente por poseer un ritmo o beat fuerte y una estructura sencilla, más similar a la canción pop que las que pueden tener otras formas de música dance, con un énfasis en las melodías y en los estribillos pegadizos.​ En cuanto a los sonidos, utiliza mayoritaria o totalmente instrumentos electrónicos (sintetizador, caja de ritmos, etc.) El género es normalmente impulsado desde el lado del productor, aunque hay notables excepciones.

Historia
Como el término "disco" comenzó a pasar de moda a finales de los años 1970 hasta principios de los 80s, otros términos se utilizaron comúnmente para describir la música basada en el disco, como "post-disco", "club", "dance" o "dance pop".​ Estos géneros fueron, en esencia, una variante más moderna de la música disco conocida como post-disco, que tendía a ser más experimental, electrónica e impulsada por el productor o DJ, a menudo utilizando secuenciadores y sintetizadores.
La música dance pop surgió en la década de 1980 como una forma de dance o post-disco, compuesta y producida por los productores discográficos que luego contratarían a cantantes para interpretar las canciones.

En la década de 1980
El dance pop estaba estrechamente alineado con otros géneros electrónicos uptempo, como Hi-NRG. Los productores prominentes en la década de 1980 incluyeron a Stock, Aitken & Waterman, quienes crearon artistas de Hi-NRG/dance pop como Kylie Minogue, Dead or Alive y Bananarama.

Artistas y grupos de dance pop prominentes de la década de 1980 incluyen a Madonna, Pet Shop Boys, Whitney Houston, Paula Abdul, Mel and Kim, Samantha Fox, Tiffany, Janet Jackson y Michael Jackson.

Para la década de 1990
El dance pop se había convertido en un género importante en la música popular. El dance pop tomó prestado influencias de otros géneros, que variaban por el productor, el artista y el período. Tales incluyen R&B contemporáneo, house, techno y synth pop. Siendo principalmente un género mainstream influido por el pop, el sonido de dance pop a menudo era influido por el período. Varios grupos y artistas de dance pop surgieron durante la década de 1990, como Spice Girls, Britney Spears y Christina Aguilera. A finales de los años 1990, las influencias electrónicas se hicieron evidentes en la música dance pop; El álbum críticamente aclamado y comercialmente exitoso, Ray of Light (1998) de Madonna, incorporó techno, trance y otras formas de música electrónica de baile, trayendo a la electrónica en la corriente principal de dance pop. Además, también en 1998, Cher lanzó una canción dance pop llamada «Believe», que hizo uso de una innovación tecnológica de la época, Auto-Tune. Céline Dion también lanzó una canción dance pop, «That's the Way It Is» a finales de 1999. 

A principios de la década de 2000
Todavía era prominente y altamente electrónica en estilo, influido por géneros como el trance, house, techno y electro. Sin embargo, como el R&B y el hip hop se hicieron muy populares desde la primera parte de la década en adelante, el dance pop a menudo tomaba prestado una gran cantidad de sus influencias de la música urbana.

Estrellas de dance pop de los años 1980 y 1990, como Britney Spears, Christina Aguilera, Madonna, Janet Jackson y Kylie Minogue siguieron logrando éxito a principios de la década. Mientras que una gran cantidad de dance pop en ese momento era influido por el R&B, muchas grabaciones comenzaron a regresar a sus raíces de disco.

Un estilo muy próximo al dance pop es el eurodance, producido inicialmente en Europa y con artistas como Culture Beat, La Bouche, Real McCoy, Pandora Fun Factory, Gala y otros.

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